Un film de Wes ANDERSON 

Comédie/Drame + États-Unis + Couleur + 1h33 

Sortie française le 16 mai 2012

Scénario de Wes Anderson et Roman Coppola

Produit par Wes Anderson, Scott Rudin, Steven M. Rales et Jeremy Dawson

De quoi ça parle ? 

Lors de l'été 1965, Sam, jeune orphelin de 12 ans, quitte son campement scout pour rejoindre Suzy, une jolie jeune fille de son âge qui vient de fuguer de chez ses parents. Les deux tourtereaux, rêveurs et mal dans leurs peaux, ont décidé de partir ensemble loin de ce monde dans lequel ils n'arrivent pas à trouver leur place. Une fois leur disparition constatée, c'est la mobilisation générale chez les adultes pour tenter de les retrouver, alors qu'une terrible tempête se prépare...

C'est avec qui ?

BRUCE WILLIS Capitaine Sharp + EDWARD NORTON Chef Ward + BILL MURRAY Walt Bishop

FRANCES McDORMAND Laura Bishop + JARED GILMAN Sam Shakusky

KARA HAYWARD Suzy Bishop + JASON SCHWARTZMAN Cousin Ben

HARVEY KEITEL Commandant Pierce + TILDA SWINTON L’assistante sociale + BOB BALABAN Le narrateur

Et ça donne quoi ?  

Pour sa septième réalisation, l'éternel enfant rêveur qu'est Wes Anderson nous entraîne dans une folle aventure où, comme à son habitude, l'imaginaire le plus délirant se trouve là pour dynamiter la réalité la plus dure. Moonrise Kingdom, qui d'ailleurs ouvrait le Festival de Cannes il y a un an presque jour pour jour, est une fable ultra-colorée et lyrique où des Bonnie and Clyde en culotte courte décident de s'émanciper du diktat du monde adulte pour aller vivre leur passion, libres et loin. Bien entendu, leur escapade impromptue aura des répercussions directes et irréversibles sur le monde qui les entoure et les opprime. Telle une marmite fumante, la mise en scène du très créatif Anderson bouillonne d'idées visuelles et narratives ; et ses deux jeunes acteurs totalement inconnus, Kara Hayward et Jared Gilman, ne devraient pas le rester longtemps tant ils éclipsent avec un aura de professionnels confirmés les grandes stars présentes au casting. Même si il s'axe parfois bien plus sur la forme que sur le fond, ce véritable petit bijou de fraîcheur confirme un véritable auteur en la personne de son réalisateur, aux confins des univers de Mark Twain et Jacques Tati. Prenez donc vos cartes, boussoles et paquetages, et préparez-vous à embarquer dans une fuite à travers-champ pour réveiller l'âme d'enfant épris de liberté qui sommeille en chacun de vous.

Pléthore de cinéastes, n'étant pas juste de simples faiseurs de films à qui l'on commande des œuvres impersonnelles, se reconnaissent d'emblée à leur patte, leur style, voire leur folie. Non soucieux de répondre impérativement à un cahier des charges draconiens imposés par un studio dans le but d'homogénéiser les goûts et ainsi plaire au plus grand nombre à travers le Globe - rentabilité économique oblige, lesdits cinéastes peuvent librement donner court à leurs envies, leur imagination. C'est en cela qu'ils sont ce que l'on appelle des « auteurs ». Voyez, il n'y a rien d'élitiste derrière l'appellation « cinéma d'auteur », pas plus qu'il n'y a de beauferie franchouillarde derrière celle de « comédie populaire ». C'est simplement que les règles sont le pire ennemi du génie comme le disait un illustre philosophe allemand du XVIIIème, et que des artistes cherchent à les fuir pour nous offrir des créations enivrantes et loin de tout formatage. Bref, revenons à nos moutons. Ou plutôt là à nos brebis égarées dans un monde trop grand pour eux. Si je parlais de cela en introduction, c'était pour souligner à traits épais la personnalité de celui à qui l'on doit le présent film, Wes Anderson. D'entrée de jeu, on identifie tout de suite avoir à faire à lui, les thèmes « andersonniens » étant à nouveaux réunis : la famille, l'enfance, la rêverie, le désir d'affranchissement, le fait de se sentir différents des autres, d'avoir besoin d'évasion... Tous ces leitmotiv font à nouveau écho dans Moonrise Kingdom. Et puis celui-ci  s'ouvre sur un type de plan devenu classique chez le réalisateur de La Vie Aquatique , à savoir une habitation découpée comme une maison de poupée, et dans laquelle la caméra à toute aisance pour s'y balader avec des mouvements d'une rare fluidité. Dans la directe lignée de Fantastic Mr. Fox, Moonrise Kingdom, de par sa myriade chromatique où le jaune et le vert prédominent, est proche de l'univers de l'animation, voire du livre pour enfants orné d'images hautement colorées, et dans lequel on se laisse tomber sans feindre son plaisir.

"La caméra, via de vertigineux travellings et de limpides panoramiques, se balade dans le champ tel un œilcurieux parcoure la page d'une bande-dessinée."

Chez Wes Anderson, la moindre forme est travaillée avec le plus grand soin. Chaque élément du décor influe directement sur l'image. Le souci esthétique du cinéaste texan est grand, très grand. A tel point qu'il peut devenir étouffant tant chaque plan se révèle être un florilège incessant de trouvailles visuelles fourmillant de mille idées, un prétexte à une géométrie soignée des formes où l'arrêt sur image dévoile des compositions millimétrées et bariolées; et la caméra, via de vertigineux travellings et de limpides panoramiques, se balade dans le champ tel un oeil curieux parcourt la page d'une bande-dessinée. Le souci d'un rythme effréné est aussi un point essentiel. La cadence est vive, enlevée, comme en témoigne les savoureux dialogues débités comme le refrain d'un champ scout, et la frénésie des champs/contrechamps au sein d'un montage hyper-tranchant. En bon chef de troupe, Anderson utilise sa grammaire filmique comme on utilise un couteau suisse : il se sert de toutes les fonctionnalités en sa possession pour mieux cisailler le récit. Également armé d'un certain savoir-faire comme boussole, l'homme nous mène où il veut sur sa carte des aventures sans nous perdre en cours de route. Au travers la fuite de ces jeunes amants, il nous narre un beau voyage initiatique empreint d'une poésie mélancolique, ce voyage que chacun doit faire pour se connaître, ce voyage par lequel chacun doit crapahuter pour se trouver. Son tableau est esquissé avec de belles notes de naïveté, à l'image de celles nées d'un premier amour que l'on voudrait éternel. On connaissait tous les contes d'Andersen. On connaît maintenant ceux d'Anderson.

"Tout bonnement géniaux, les deux gamins fugueurs sont les véritables moteurs de l'intrigue. Car ce que ce film ne cesse de vouloir nous dire, c'est qu'au fond de chaque adulte en crise profonde se cache un enfant animé par des chimères après lesquels il courra toujours."

La dichotomie entre monde rêvé et monde réel, marqué par l'opposition entre monde adulte et monde enfantin, est un des motif inhérent à ce film choral peuplés de personnages délectables. Si le générique en fera saliver plus d'un avant visionnage (notamment via les présences d'Edward Norton, absolument parfait en chef-scout sans cesse dépassé par les évènements;  de Bruce Willis, que l'on préfère définitivement dans des rôles à contre-emploi; sans oublier les très bons Bill Murray et Frances McDormand en vieux couple sans âme, et les apparitions jubilatoires de Tilda Swinton et Harvey Keitel), ce sont bien les deux inconnus du bataillon campant les gamins fugueurs que vous retiendrez une fois celui-ci terminé. Tout bonnement géniaux, ils sont les véritables moteurs de l'intrigue. Car ce que ce film ne cesse de vouloir nous dire, c'est qu'au fond de chaque adulte en crise profonde se cache un enfant animé par des chimères après lesquels il courra toujours. Et les "grandes personnes", parce qu'elles se sont lassées de poursuivre leurs idéaux à cause de la cinglante réalité de la vie,  enferment les "marmots rêveurs" dans un monde fait de désillusions, castrant les choses en lesquelles ils croient pour être sur qu'ils ne se fassent pas mal à essayer de les rattraper. Mais empêcher un gosse de rêver pour le préserver face aux dures lois de la nature, c'est comme empêcher un homme de respirer. Être marginal, ne pas vouloir rentrer dans le rang, ressemble à un crime honteux dans le mythe du rêve américain, tout comme dans celui de la famille aux pensées uniformes. Et ce encore davantage lorsque l'on est un prépubère. Alors le scénario se charge de mettre tout ça à mal, de raisonner par l'absurde et la farce. Et même si Anderson a la patte un peu lourde dans certains dosages stylistiques, son Moonrise Kingdom, aussi charmant qu'original, offre sa kyrielle de moments drôles et touchants. Il se voit comme un bon bol d'air frais, comme une invitation au voyage entre spleen et idéal pour laquelle on irait bien planter sa tente au large.

Quelques trucs à savoir sur le film pour se la péter en société

+ Originaire de Houston au Texas où il est né le 1er mai 1969, Wes Anderson s'intéresse très jeune au cinéma puisque, grand consommateur de films dès l'enfance, il met également en scène ses propres frères dans des courts-métrages filmés en Super 8 à l'adolescence. Pourtant, il s'orientera vers des études de philosophies, ce en raison de son autre passion : la littérature. Études qu'il laissera tomber après sa rencontre, dans un atelier d'écriture de la fac, avec l'acteur Owen Wilson. Ensemble, les deux copains écrivent un court-métrage qu'Anderson réalise et que Wilson interprète, Bottle Rocket. Remarqué au festival indépendant de Sundance en 1994, le court devient long deux ans plus tard sous l'impulsion du producteur James L. Brooks (Les Simpson). Même si son premier film ne rencontre pas le succès (et voit aussi sa distribution très limitée, puisqu'il ne sortira pas dans les salles françaises, mais directement en DVD quelques années plus tard), Anderson est remarqué par la critique, et signe, en 1998, un second essai, Rushmore, qui confirme sa position d'auteur indépendant. Mais c'est surtout avec La famille Tenenbaum, sorti en 2001, qu'il se fait véritablement un nom auprès du public. Pour cette comédie déjantée et au style visuel très travaillé, le cinéaste réunit un casting de premier choix : Ben Stiller, Gene Hackman, Bill Murray, Anjelica Huston, Danny Glover, Alec Baldwin, Gwyneth Paltrow, et bien sûr l'ami des débuts, Owen Wilson. Ce succès se confirme et la patte Anderson se fait avec l'excellent La Vie Aquatique (2004), A bord du Darjeeling Limited (2007), puis un film d'animation très remarqué adapté d'un livre de Roald Dahl et tourné avec des marionettes animées image par image, Fantastic Mr. Fox (nominé à l'Oscar et au Golden Globe du meilleur film d'animation en 2010). Actuellement, le réalisateur-scénariste-producteur est en plein tournage de son huitième long-métrage, The Grand Budapest Hotel, se déroulant à Paris durant l'entre-deux guerres, et auquel participeront, entre autres, Ralf Fiennes, Edward Norton, Jude Law, Willem Dafoe, des habitués de la maison Anderson (Bill Murray, Owen Wilson), et quelques frenchies (Mathieu Amalric, Léa Seydoux). Sortie prévue pour 2014.

+ Moonrise Kingdom a été le film projeté en ouverture lors du festival de Cannes 2012. En compétition officielle pour la Palme d'Or (finalement attribuée à Amour d'Haneke), il a également été nominé à l'Oscar du meilleur scénario et au Golden Globe de la meilleure comédie.

+ Jared Gilman et Kara Hayward, malgré leur aisance bluffante devant la caméra, sont tous deux absolument novices dans le monde du cinéma : il s'agit là de leurs premiers rôles. Ils ont été choisis après de longs casting qui ont regroupé des centaines d'enfants, en grande partie grâce à leur amateurisme renvoyant à une certaine fraicheur à de la naïveté, choses que Wes Anderson recherchait à tout prix pour ses jeunes acteurs. A la demande du réalisteur, Kara et Jared ont bien entendu du se renseigner sur les années 60 (notamment en regardant certains films, ou en conversant avec des connaissances qui avaient vécu réellement à cette époque), mais également entretenir, à l'image de leurs personnages, une relation épistolaire durant toute la phase de préparation du tournage pour apprendre à mieux à se connaitre. Sur le plateau, Bruce Willis et Bill Murray faisaient tout pour que leurs jeunes compagnons de jeu se sentent à l'aise, allant jusqu'à les aider à revêtir leurs costumes ou les faire répéter.

+ La famille est souvent un des thèmes cher à Wes Anderson dans ses oeuvres, est cela se voit aussi sur son plateau : le cinéaste travaille (presque) toujours avec les mêmes personnes, et cela est encore vérifiable dans le cas présent. Les acteurs déjà, puisque l'on retrouve Bill Murray pour la sixième fois au casting d'un de ses films, et Jason Schartzmann pour la cinquième fois. L'équipe technique ensuite, puisque le directeur de la photographie Robert D. Yeoman signe là sa sixième collaboration avec le réalisateur (il n'y a que sur Fantastic Mr. Fox que celui-ci n'a pas travaillé), Scott Rudin assure lui la production pour la cinquième fois, Roman Coppola co-écrit ici un scénario avec Anderson pour la troisième fois (il a aussi été son assitant sur La Vie Aquatique et A bord du Darjeeling Limited qu'il a également co-produit), le monteur Andrew Weisblum collabore pour la troisième fois également, et le chef-décorateur Adam Stockhausen pour la seconde fois.

+ La musique du film a été composée par un français, Alexandre Desplat. Celui-ci est notamment connu pour être le compositeur de Jacques Audiard (il a glané deux César de la meilleure musique pour De battre mon coeur s'est arrêté et De rouille et d'os), mais aussi pour avoir travaillé outre-Atlantique avec Roman Polanski, David Fincher, George Clooney ou Terrence Malick (il a déjà été personnellement nominé cinq fois aux Oscar). C'est la seconde fois, après Fantastic Mr. Fox, que Desplat oeuvre avec Anderson.

+ Moonrise Kingdom n'a pas été intégralement tourné en studio, comme les nombreux décors peuvent toutefois le laisser croire, car Anderson n'aime pas leur côté artificiel. Le réalisateur n'y a eu recours que lorsqu'il y été obligé, mais le tournage a eu lieu en grande partie sur l'île de Prudence en Nouvelle-Angleterre où plusieurs infrastructures nécessaires au film ont été créées directement sur place. Certaines scènes ont aussi été tournées dans le phare de Jamestown en Virginie, et dans une vieille et célèbre église proche de Wall Street à New York, la Trinity Church.

+ Pour imprégner le plateau de l'ambiance des sixties, époque à laquelle se déroule le film, Wes Anderson et son chef-décorateur ont fait moult brocantes et se sont rendus chez de très nombreux antiquaires afin de trouver des objets pouvant servir au film et à son décor.

+ Lors de la scène du spectacle de fin d'année où le personnage de Sam rencontre celui de Suzy pour la première fois, le cinéaste s'est inspiré de son propre souvenir d'enfance. En effet, les enfants jouent là Le Carnaval des Animaux de Benjamin Britten, spectacle musical qu'Anderson a lui-même interprété à l'école primaire. Grâce à des clichés de lui pris par sa famille lors de cette représentation, il a demandé à ce que la création des costumes pour cette séquence du film soit identique à ceux de son enfance.

+ La famille Coppola était assez présente sur le plateau, car outre Roman (fils de Francis et grand frère de Sofia), l'acteur Jason Schartzmann fait aussi partie du clan du réalisateur du Parrain et d'Apocalypse Now. En effet, il est son neveu, et donc le cousin de Sofia et Roman.

+ Vous l'aurez reconnu par vous-même, mais la chanson qu'écoutent les deux jeunes protagonistes sur la plage est bien entendu celle d'une artiste française, à savoir Le temps de l'Amour de Françoise Hardy (sur une musique composée à l'époque par son futur époux, Jacques Dutronc).

+ Il est intéressant de souligner ici l'absence d'Owen Wilson au générique. En effet, c'est la toute première fois depuis sa rencontre il y a plus de 20 ans avec Wes Anderson qu'il ne participe pas à l'un de ses films, puisque même lorsque ce-dernier s'est adonné à l'animation avec Fantastic Mr. Fox, l'acteur y a assuré la voix d'un des personnages. Cette "anomalie" sera réparée dès le prochain film d'Anderson prévue pour 2014 où Owen Wilson réintègre le casting de celui avec lequel il a commencé sa carrière.

Un film de Baran BO ODAR

Drame/Policier + Allemagne + Couleur + 1h56 

Sortie française le 27 avril 2011

Scénario de Baran Bo Odar (D'après le roman de Jan Costin Wagner)

Produit par Jörg Schulze, Florian Schneider et Maren Lüthje

De quoi ça parle ?  

Été 1986. Timo Friedrich, étudiant, se rend complice du viol et du meurtre d'une jeune fille, acte commis sous ses yeux par son ami Peer sans qu'il ne dise quoi que ce soit. Cette horrible affaire ne sera jamais élucidée par la justice... En 2009, une adolescente est portée disparue dans la même ville. Son vélo est retrouvé à l'endroit exact du crime survenu, jour pour jour, 23 ans plus tôt. Pour la police, et notamment David Jähn, cela fait trop de coïncidences : il s'agit du même meurtrier. Alors que l'enquête suit son cours, ces évènements ravivent de douloureux souvenirs dans la mémoire de Timo, aujourd'hui marié et père de famille sans histoire...

C'est avec qui ?
SEBASTIAN BLOMBERG > David Jähn +  WOTAN WILKE MÖHRING > Timo Friedrich + ULRICH THOMSEN > Peer Sommer + KATRIN SASS  > Elena Lange + BURGHART KLAUSSNER > Krischan   + CLAUDIA MIKKELSEN > Julia Friedrich + ROELAND WIESNEKER et  KAROLINE EICHHORN > Les parents de Sinikka Weghamm

Et ça donne quoi ?

Second long-métrage d'un jeune cinéaste suisse-allemand, Il était une fois un meurtre est une petite révélation qui a remporté, ex-aequo avec l'excellentissime Bullhead de Mickaël R. Roskam, le Prix du Jury lors du très réputé Festival du film policier de Beaune en 2011. Ce drame fiévreux comme une chaude journée d'été aborde de façon frontale le thème de la pédophilie sans ménager personne, mais surtout sans se poser en objecteur de conscience, en prêcheur de la bonne parole, et son traitement glacial souligne le fort contraste, la puissante dualité, qui imprègnent toute la pellicule. Le scénario, riche et alambiqué, multiplie les points de vue autour du même crime abjecte qui a scellé à jamais une bien étrange amitié, sans jamais prendre parti, et la mise en scène, léchée et contemplative, révèle un véritable auteur en la personne de Baran bo Odar. Certes, ce-dernier veut peut-être trop en faire parfois et a la main lourde dans certains dosages, mais ce thriller âpre aux teintes de mélodrame existentiel ne ménage jamais le spectateur. Il traite, avec tension et style, de la culpabilité, de la perte de l'innocence, du silence que l'on s'efforce de créer autour de sa face cachée, et n'est pas sans rappeler le très bon Zodiac de David Fincher. Comme référence dans le genre, il y a pire.  

Il était une fois un meurtre nous conte l'histoire d'un silence, silence autour d'une vérité indicible. Effectivement, comment parler de ce que l'on a vu lorsque l'on a été témoin d'un meurtre odieux que l'on a librement laissé se dérouler ? Comment raconter ce que l'on a vécu lorsque l'on a été spectateur à la fois horrifié et fasciné par ce qu'il nous a été donné de voir ? C'est dans ce mutisme on ne peut plus malsain que se mure Timo, mari et père de famille en apparence respectable, depuis plus de 20 ans. Mais vous pouvez courir aussi vite et aussi loin que vous voulez, les vieux démons du passé finissent toujours par vous rattraper, et ce sont toujours eux qui franchissent la ligne d'arrivée les premiers. On ne gagne jamais (à moins d'être un franc-maçon) son sprint face à la vérité. Et Timo va l'apprendre à ses dépends, au cours d'une vertigineuse plongée qui gorgera ses poumons d'eau jusqu'à l'asphyxie. Jadis complice d'un meurtre commis par son meilleur ami avec qui il partageait une passion des plus lugubres, acte qui a laissé en lui autant de dégoût que d'excitation, l'homme avait réussi à s'éloigner de tout ça, à tourner la page pour commencer l'écriture d'une nouvelle histoire. Mais la découverte d'un second corps, au même endroit et dans les mêmes circonstances que celui de sa jeunesse, va violemment entacher ces feuilles vierges de grandes ratures, réveillant le spectre qui sommeille au plus profond de son âme dérangée et qui n'attend que de lui plonger la tête sous l'eau.

"Vous pouvez courir aussi vite et aussi loin que vous voulez, les vieux démons du passé finissent toujours par vous rattraper. Ce sont toujours eux qui franchissent la ligne d'arrivée les premiers."

C'est à partir de ce postulat que Odar fait germer son récit, mais, en plus de ce gendre idéal rongé par la culpabilité et ses propres tares, il nous le narre en alternance depuis d'autres perspectives : la mère de la première victime n'arrivant pas à faire son deuil, l'homme qui avait enquêté à l'époque sans jamais parvenir à faire la lumière sur cette sombre tragédie, les parents de la nouvelle disparue paralysés par l'attente de la vérité sur ce qui a bien pu arriver à leur progéniture, et l'inspecteur meurtri et quelque peu fragile chargé d'enquêter aujourd'hui. Le réalisateur entrechoque tous ces destins qui n'auraient jamais du se croiser avec une telle force qu'ils s'en retrouvent brisés. Cette succession de points de vue instaure le mécanisme assez complexe du film, s'amuse ainsi à jouer avec nos nerfs, et à nous perdre comme au beau milieu d'un gigantesque champ de blé sous un cagnard irrespirable. Le climat est lui sans cesse propice au malaise, au mystérieux, à l'énigmatique. Odar capte ses images avec une volonté artistique radicale où larges plans aériens, séquences fixes, et lents travellings sont accouplés à des scènes au montage plus nerveux, plus frénétique. Sous une lumière aveuglante, il dirige une action des plus noires. Dénué de tout manichéisme, son film aborde la pédophilie sans pour autant la diaboliser gratuitement, ce qui impose un aspect pour le moins éprouvant à son résultat. Oui, les deux "monstres" qu'il filme restent avant-tout des hommes, parfois touchants même. Et dans ces rôles pas évidents, Wotan Wilke Möhring (le dénommé Timo) et l'acteur danois Ulrich Thomsen (révélé par le génial Festen de Vinterberg qui abordait déjà le sujet pédophile) sont brillants, et d'une grande justesse. Dans un pays de cinéma qui a donné ses lettres de noblesse à l'expressionnisme sur grand écran au début des années 20, nous avons affaire ici à une esthétique plus minimaliste, plus épurée, mais qui ne s'interdit pourtant pas un recours à une vive émotion et à de véritables effets de style.

"Le réalisateur entrechoque des destins qui n'auraient jamais du se croiser avec une telle force qu'ils s'en retrouvent brisés. Cette succession de points de vue s'amuse ainsi à jouer avec nos nerfs, et à nous perdre comme au beau milieu d'un gigantesque champ de blé sous un cagnard irrespirable."

Paradoxalement, on peut néanmoins déplorer un léger manque de subtilité par instant, quelques petites lourdeurs de-ci de-là. Quant à l'intrigue, extrêmement éparse, elle est quelque peu brouillonne, chose certainement due à un petit manque de maîtrise, voire à la volonté d'imposer coûte que coûte une véritable politique auteurale de la part d'Odar. Et à trop vouloir jouer la carte de la psychologie appuyée pour affirmer les personnages, le scénario provoque inconsciemment l'effet contraire en ne définissant pas assez certains membres du casting , à l'image de cet enquêteur à la limite de la folie campé par Sebastian Blomberg, pas du tout convaicant et sans charisme aucun. Il était une fois un meurtre nous laisse donc avec un petit goût d'inachevé, mais cette exhalaison est vite gommée par la délicieuse saveur de souffre que distille au compte-goutte cet exercice aussi brûlant que troublant. Il était une fois un film sentant bon le cinéma de genre, qui gagne à ne pas rester sous silence.

Quelques trucs à savoir sur le film pour se la péter en société

+ Il était une fois un meurtre est le second film réalisé par Baran bo Odar après Sous le soleil (à ne pas confondre avec la sérié guimauve de TF1 !) en 2006, mais qui n'avait rencontré que très peu de succès auprès du public malgré d'assez bonnes critiques. Ce natif de la petite ville d'Olten en Suisse, qui va fêter ses 35 ans au mois d'avril prochain, a débuté par des études de peinture avant de s'orienter vers une école de cinéma en Allemagne où il vit depuis. Il a déclaré être très influencé dans sa mise en scène par le cinéma américain des années 70-80, le Nouvel Hollywood, et le travail de réalisateurs comme Michael Cimino (Voyage au bout de l'enfer ), Terrence Malick (La ballade sauvage), Ridley Scott (Blade Runner) et Michael Mann (Le solitaire), mais également par les nouveaux cinéastes sud-coréens comme Park Chan-wook (Old boy) , Kim Jee-woon (J'ai rencontré le Diable), et Na Hong-jin (The chaser). Outre les films, Odar dit aussi avoir été fortement marqué par la lecture de Crimes et châtiments de Dostoïevski : "Cette lecture m’a fasciné. J’ai pris conscience que le mal est présent en chacun de nous. Cette idée m’a bouleversé et ne m’a jamais quitté depuis. J’aime les histoires qui dérapent, les histoires d’hommes qui succombent à leur côté sombre. A mon avis, le bien et le mal n’existent pas. Les monstres n’existent pas, seulement des hommes capables d’actes monstrueux." On ressent d'ailleurs vivement cela dans le présent long-métrage.

+ C'est le roman Le silence (Das schweigen) de l'écrivain allemand Jan Costin Wagner, paru en 2009, qui a inspiré l'écriture du scénario. Wagner est connu pour écrire des livres policiers qui ont la particularité de toujours se dérouler en Finlande, le pays d'origine de son épouse où il réside une bonne partie de l'année. Si Baran bo Odar s'est chargé de la rédaction du script pour l'adaptation cinématographique, il l'a néanmoins fait en très étroite collaboration avec l'auteur.

+ Le titre original du film, Das letzte schweigen, signifie littéralement "le dernier silence".

+ L'interprète de Peer Sommer, le tueur et ami de Timo, est Ulrich Thomsen, un acteur danois très renommé dans son pays natal depuis les succès du Veilleur de nuit d'Ole Bornedahl, de Brothers de Susanne Bier, mais surtout de Festen, Prix du Jury à Cannes en 98, films dans lesquels il tenait à chaque fois des rôles principaux. Depuis, il est même apparu à plusieurs reprises sur les écrans hollywoodiens, notamment dans un James Bond (Le monde ne suffit pas), mais aussi aux côtés de Sean Penn dans Le poids de l'eau, de Clive Owen et Naomi Watts dans L'enquête, de Nicolas Cage dans la super-production Le dernier des templiers, ou encore dans le récent remake du The thing de Carpenter.

+ Si Ulrich Thomsen a donc pas mal fait parler de lui hors de ses frontières, la plupart des autres acteurs ne sont pas forcément connus outre-Rhin, mais jouissent d'une certaine notoriété chez eux. Ainsi, Katrin Sass (la mère de la première victime) a incarné le premier rôle féminin d'un des plus gros succès du cinéma allemand des années 2000, Good bye Lenin ! , et a été récompensé par un Ours d'Argent à la Berlinale de 1982 pour son interprétation dans Caution pour un an. Burghart Klaussner, qui prête ici ses traits à l'inspecteur retraité, était également présent au casting de Good bye Lenin !, et on a pu le voir, entre autres, dans Le ruban blanc de l'autrichien Michael Haneke, Palme d'Or à Cannes en 2009. Quand à Wotan Wilke Möhring, il a tenu des seconds rôles dans l'anxiogène et réussi L'expérience d'Oliver Hirschbiegel, et dans Soul Kitchen, une comédie dramatique récompensée à la 66ème Mostra de Venise et triomphe au box-office allemand de 2009.

+ Sorti en Allemagne en juillet 2010, Il était une fois un meurtre n'est arrivé dans les salles françaises que fin avril de l'année suivante, en grande partie grâce à l'accueil positif reçu lors de sa diffusion au Festival du film policier de Beaune (qui se déroule auparavant à Cognac), où il a reçu le Prix du Jury. Aux Etats-Unis, le film vient seulement de sortir en ce début mars 2013, sous le titre The silence, et près de trois ans après sa parution allemande.

+ Remarqué par Hollywood, qui aime recruter des réalisateurs européens depuis toujours, Baran bo Odar est actuellement en pleine préparation de son premier film américain. Il s'agira d'un thriller haletant nommé The hunt (La chasse), mettant en scène un kidnapping qui vire à la course-poursuite dans les rues de Chicago. Ni le casting, ni une date de sortie, n'ont pour l'instant filtré.

+ Ce film a été tourné pour un budget de 2 millions d'euros, et les prises de vues se sont déroulées principalement dans les alentours de Nuremberg en Bavière, et à Erfurt, chef-lieu de la région de la Thuringe.

Un film de William FRIEDKIN

Thriller + Etats-Unis  + Couleur + 1h43 

Sortie française le 5 septembre 2012

Scénario de Tracy Letts (D'après sa propre pièce de théâtre)

Produit par Scott Einbeinder, Nicolas Chartier et Patrick Newall

INTERDIT AUX MOINS DE 12 ANS

De quoi ça parle ?

Dallas, au Texas. Chris, minable petit dealer de son état, s'est endetté auprès d'un mafieux local. Pour sortir la tête de ses embrouilles, il ne voit pas d'autres moyens que monter un plan aussi macabre que machiavélique : faire assassiner sa propre mère qui vient de souscrire à une assurance-vie dont l'unique bénéficiaire est sa petite soeur Dottie, et empocher le magot par le biais de celle-ci. Avec le renfort de son raté de père Ansel et de la nouvelle épouse de celui-ci, Sharla, Chris engage un inspecteur de police qui a la très étrange particularité d'être également un redoutable tueur à gages, Joe Cooper. Pour le jeune homme, c'est le début d'une violente machination où la poisse va dicter sa loi...

C'est avec qui ?
MATTHEW McCONAUGHEY > "Killer" Joe Cooper + EMILE HIRSCH > Chris + JUNO TEMPLE > Dottie + THOMAS HADEN CHURCH  > Ansel  + GINA GERSHON > Sharla + MARC MACAULEY > Digger Soames

Et ça donne quoi ?

Les polars ultra-violents aux rebondissements alambiqués et aux dialogues ciselés ne sont pas uniquement réservés aux jeunes cinéastes geeks et branchés. William Friedkin, bientôt 80 bougies sur le gateau, en atteste. En adaptant ici la très sombre pièce de théâtre du dramaturge Tracy Letts, l'homme a la cheminée décorée d'un Oscar et d'un Golden Globe du meilleur réalisateur fait passer Quentin Tarantino et les frères Coen pour une troupe de danseuses en tutu. Killer Joe c'est un électrochoc qui sent la poudre à plein nez et met mal à l'aise, une plongée en apnée entre fascination et répulsion dans l'Amérique de Rednecks au quotidien rythmé par la poisse et les coups tordus. Ces gueules directement sorties de TV shows racoleurs sont sublimées par leurs brillants interprètes dont les numéros sont les grandes forces du film, d'un Matthew McConaughey (très) loin de ses rôles pour adolescentes, à la renversante révélation Juno Temple. Jouant sans cesse avec la très épineuse limite de la farce grinçante, le réalisateur de French Connection signe là une série B haletante et oppressante, diabolique et amorale, qui ne laissera personne indifférent, aussi bien ses détracteurs que ses adorateurs. Et ils seront nombreux dans les deux camps. Avec ce pur petit bijou de thriller noir, crasse rime avec classe.
Une nuit d'orage, la pluie s'abat sur le sol jusqu'à le gorger d'eau. Un chat noir passe par là tandis qu'un jeune homme en apparence complètement paumé tambourine comme un sourd à la porte d'un mobil-home. C'est dans ce décor idyllique que Friedkin a choisi de planter sa caméra : l'Amérique des White Trash, avec son trailer park, son bar à putes, et ses péquenauds accrocs à la bière et pendus à leur télé, pas loin de faire passer ceux de Strip-tease et Confessions Intimes pour des premiers de la classe. Donc ce paumé qui surgit là c'est Chris, véritable aimant à embrouilles idéalement campé par le jeune mais non-moins talentueux Emile Hirsch (Into the Wild, Harvey Milk, Alpha Dog). Chez lui, avoir des problèmes est comme un sixième sens, un don de la nature : il est doué pour ça le petiot (faut bien être bon à quelque chose dans la vie me direz-vous...). Alors, quand Chris a une grosse emmerde, il ne trouve rien de mieux à faire que d'essayer de la réparer avec une emmerde encore plus grosse. Comme, au hasard, projeter de tuer sa crapule de mère avec qui il est en conflit pour toucher l'assurance-vie afin de rembourser son dealer de l'ardoise conséquente qu'il lui a laissé. Et, au passage, embarquer sa gentille petite soeur dans ce véritable jeu de massacre. Vous aurez remarqué que le jeune homme a de la suite dans les idées. Sauf que pour faire le sale boulot, il engage Joe, un flic fêlé aux moeurs pour le moins étranges, qui arrondit ses fins de mois en zigouillant, façon hyper-pro, les gens qui vous dérangent contre rémunération. Sous le chapeau de cow-boy de ce psychopathe texan, percent les yeux clairs d'un excellent Matthew McConaughey. Des yeux qui font mal. Le problème avec Joe, c'est qu'on passe un contrat avec lui comme on pactise avec le Malin. Pragmatique et charismatique, il parle comme on murmure, et raconte les histoires comme personne, on y mettant détails et suspense. L'acteur d'ordinaire habitué aux guimauves (Hanté par ses ex, Comment se faire larguer en 10 leçons, Playboy à saisir, rien qu'avec les titres on a déjà compris toute l'ambition de ces films...) fait donc un sérieux pied-de-nez à son plan de route et trouve sans aucun doute ici son rôle le plus ambigu et le plus risqué (et par conséquent le meilleur) avec cet ange exterminateur venu annoncer l'Armageddon à la famille méchamment dysfonctionnelle qui l'emploie. Et sous les traits de l'adolescente un brin fofolle de la famille en question, Juno Temple n'est pas loin de voler la vedette à ses compagnons de jeu. Bien malgré elle, cette lolita bien plus mature qu'il n'y parait se retrouve mêlée à une histoire des plus sordides, mais au moins ça met plus de piment dans son quotidien tristounet que les films de kung-fu. Le quintet d'acteurs principaux, jouant une galerie de personnages savoureux et plein de relief, est une des munitions les plus explosives présentes dans le barillet du film (une petite dédicace au passage à Gina Gershon qui n'hésite pas à beaucoup donner de sa personne dans une des scènes les plus marquantes). Avec cette belle bande de pieds nickelés aux motivations glauques, à l'intelligence limitée, et à la poisse sans égal, même les plans les plus rodés se transforment de toute façon en pétards mouillés.

" Le quintet d'acteurs principal est une des munitions les plus explosives présentes dans le barillet du film. Avec cette belle bande de pieds nickelés aux motivations glauques, même les plans les plus rodés se transforment de toute façon en pétards mouillés." 

Il ne serait pas exagéré d'affirmer que William Friedkin est un cinéaste aimant les extrêmes. Avec Killer Joe, il est une nouvelle fois aisé d'avancer ce genre de qualificatif tant il se montre toujours, malgré les années qui sont passées, maître dans l'art de la provoc', tant il se montre toujours, malgré les trous noirs rencontrés, sans concession lorsqu'il sonde les plus sombres tréfonds des âmes perverses de ses personnages. Que ce soit l'horrifique Exorciste avec Max von Sydow, Ellen Burnstyn et Linda Blair en 1973, le poisseux La Chasse avec Al Pacino en 1980, le violent Police fédérale, Los Angeles avec Willem Dafoe en 1985, ou le paranoïaque Bug avec Michael Shannon en 2006, sa filmographie est jalonnée d'oeuvres ayant suscitées d'outrageuses réactions et de vives controverses. Et Killer Joe s'ajoute donc d'emblée à cette longue (et exhaustive) liste de films dérangeants, ces films à ne pas mettre entre toutes les mains tant leur contenu peut bouleverser les moins avertis. Il est comme ça Friedkin, même avec l'âge il ne se calme pas. Ici, on ne va pas critiquer cela tant on aime ce genre de réalisateurs qui s'obstinent, malgré les périodes de vaches maigres et d'échecs commerciaux, à inverser les valeurs morales, à choquer gratuitement la bienséance, à aller jusqu'au bout de leurs idées, même les plus folles, même les plus outrancières. Surtout quand c'est fait avec fougue et talent comme on le voit là. Car même si Killer Joe se montre parfois trop complaisant dans sa façon d'aborder la violence, trop voyeur dans sa façon de la mettre en scène, et c'est ce qui est dégoutera littéralement certains, il est un hommage aussi vibrant que brutal à la plus pure tradition de polars à forte odeur de souffre, où de magnifiques losers se retrouvent, par la seule faute de leur cupidité, de leur traitrise, et de leur bêtise, pris dans l'engrenage d'une machination inouie qui se retourne contre eux et les broie comme des os de poulet.

" En plus de continuer à en faire baver à ses personnages qu'il aime maltraiter, Friedkin n'a pas perdu sa grande notion de la réalisation, et dirige son film avec sobriété et soin dans ses cadres."

L'ex-enfant terrible du Nouvel Hollywood n'est désormais plus un enfant mais est toujours aussi terrible. Loin de s'assagir comment moults de ses pairs le font en approchant de la retraite, il a conservé cette propension (qui a fait sa réputation) à mettre en scène des moments chocs et troublants, et à les filmer de façon très frontale. Tout le monde se souvient des séquences de sa satanique et cultissime oeuvre nominée à l'Oscar du meilleur film en 74 où une enfant, ma foi fort sympathique, confondait crucifix et sex-toy, douces prières et pires insanités. Ici, l'objet de culte chrétien a été remplacé par un pilon de poulet frit, et l'esprit de Pazuzu semble avoir quitter Linda Blair pour Matthew McConaughey, lors d'une scéne qui marquera sans doute elle aussi les esprits, à en traumatiser les amateurs de KFC. En plus de continuer à en faire baver à ses personnages qu'il aime maltraiter, Friedkin n'a pas perdu sa grande notion de la réalisation, et dirige son film avec sobriété et soin dans ses cadres. En témoigne l'utilisation d'une grande profondeur de champ donnant l'impression que les paysages désertiques de ces coins paumés du Texas nous engloutissent, et une photographie clinique soulignant la dualité entre les clairs et les obscurs, rappellant au passage La nuit du chasseur de Laughton et son affrontement estéhtique entre le Bien et le Mal, avec cette prédominance d'un bleu dans l'éclairage aussi glacé que le regard du Diable au chapeau. Dans la lignée du Fargo des frères Coen ou de Red Rock West avec Nicolas Cage et Dennis Hopper, Killer Joe narre, non sans humour noir mais surtout sans rien s'interdire, les sanglantes aventures du bon plouc ricain aux prises avec un banditisme trop grand pour lui, dans un polar malsain et terriblement nihiliste, solidement scénarisé et d'une liberté follement jouissive. Le mauvais goût n'a jamais semblé aussi bon.

Quelques trucs à savoir sur le film pour se la péter en société

+ Petite bio express du réalisateur pour ouvrir vos anecdotes habituelles (spéciale dédicace à tous ceux qui sautent la lecture de la critique pour en arriver directement là afin de draguer grâce à moi en soirée) : celui-ci est né à la toute fin du mois d'août 1935 à Chicago, et fait ses classes dans la section cinéma de l'université locale. Il débute ensuite à la télévision, où il réalise notamment un documentaire en 1965, The people vs. Paul Crump, qui met en lumière les défaillances de la police dans une enquête criminelle qui a conduit un certain Paul Crump a être condamné à mort. Suite aux nouveaux éléments apportés par le reportage, la justice réouvre le dossier Crump, et la peine de ce-dernier est finalement commuée en prison à vie. Deux ans plus tard, William Friedkin s'attaque au cinéma avec une comédie musicale sans grand intérêt mettant en scène Sony and Cher, Good times, ou encore un des rares films du moment à aborder le thème de l'homosexualité, Les garçons de ma bande. C'est surtout en 1971 qu'il lance véritablement sa carrière avec le succès commercial et critique de French connection, film policier qui rafle cinq Oscar (dont meilleur film, meilleur scénario adapté, et meilleur réalisateur), et il fait encore parler de lui en 73 avec la sortie du très controversé L'exorciste, un des films d'horreur les plus rentables de l'Histoire du cinéma, huit fois nominé aux Oscar et vainqueur de quatre Golden Globes (dont meilleur scénario adapté et meilleur réalisateur). La suite de la carrière de Friedkin sera plus mitigée, avec quelques réussites (La chasse, Police fédérale Los Angeles), de gros échecs (Le convoi de la peur en 1977, remake du Salaire de la peur de Clouzot, ou La nurse en 1990), et des films de commandes impersonnels (Blue Chips, film sur le basket avec de vraies stars de la NBA au générique comme Penny Hardaway et Shaquille O'Neal, ou L'enfer du devoir avec Tommy Lee Jones et Samuel L. Jackson). Dans les années 90, il délaisse un temps le cinéma et s'oriente vers une autre de ses passions, à savoir l'opéra, et met en scène des oeuvres de Verdi, Strauss ou St-Saens. Figure de proue du Nouvel Hollywood (mouvement de renouvellement du cinéma américain apparu fin 60 - début 70, et dont font partie Scorcese, De Palma, Peckinpah, Altman ou Coppola), Friedkin retrouve un succès qui le fuyait dans les années 2000, avec le film d'action Traqué, mais surtout avec le complètement halluciné Bug, tous deux salués par les critiques et le public. Killer Joe est le 19ème long-métrage en 45 ans de carrière de ce réalisateur qui est souvent décrit comme difficile sur un tournage et très exigeant envers l'implication de ses acteurs.

+ Il s'agit là de l'adaptation d'une pièce de théâtre écrite en 1991 par Tracy Letts, qui a lui-même signé le scénario pour la transposition sur grand écran. Le tandem Friedkin - Letts n'en est pas à son coup d'essai, puisque les deux hommes ont déjà collaboré pour le précédent film du réalisateur, Bug, qui était lui aussi à l'origine une pièce du dramaturge natif de l'Oklahoma dont il avait rédigé le script pour l'adaptation cinématographique.

+ Tracy Letts s'est d'ailleurs montré très impliqué dans la réalisation du film. Il a reçu personnellement tous les acteurs et membres de l'équipe de production afin de leur exposer précisement sa vision des faits, de l'histoire et des personnages. Avec l'accord du réalisateur, il envoyait aussi de temps à autre des mémos détaillés lors du tournage.

+ Trouver l'interprète de Dottie n'a pas été chose aisée. En effet, il fallait arriver à dénicher une actrice majeure possédant un physique enfantin, car le personnage est censé avoir environ 12 ans mais doit se livrer à des scènes un peu "chaudes", et donc interdites à une mineure. Des centaines de jeunes comédiennes ont ainsi été auditionnées, sans résultat, jusqu'à ce Friedkin tombe sur Juno Temple. Née en Angleterre en 1989, fille d'un réalisateur de clips assez côté Outre-Manche (Julian Temple, qui a bossé pour Depeche Mode, David Bowie, Scissors Sisters, ou les Rolling Stones), celle-ci, en plus de faire bien plus jeune que son âge, possède un bon CV qui lui a permis de cotoyer Jaco Van Dormael (Mr. Nobody avec Jared Leto), Ben Stiller (Greenberg), Gregg Araki (Kaboom) et Christopher Nolan (The dark knight rises avec Christian Bale, Gary Oldman et Marion Cotillard), même si elle n'avait encore jamais obtenu de rôle principal jusqu'ici.

+ Certains réalisateurs, comme Kubrick ou Fincher par exemple, sont réputés pour l'extrême précision confinant à l'obsession de leurs prises de vues, quitte à faire 60 fois la même pour obtenir satisfaction. Pour Friedkin, c'est tout l'inverse. L'auteur de L'exorciste et French Connection a une règle bien précise sur ces tournages : "deux prises, pas plus !". Via ce procédé, il demande à ses acteurs énormément d'implication, d'être concentrés à fond, et cherche à obtenir une grosse intensité et une certaine authenticité dans son résultat, avec fraicheur et spontanéité. Pour Nicolas Chartier, un des producteurs du film "William sait exactement ce qu'il veut, et surtout comment l'obtenir. Le plus incroyable sur son plateau, c'est la caméra qu'il arrive à rendre invisible, et l'atmosphère qu'il parvient à créer, pour que les acteurs donnent le meilleur d'eux-mêmes."

+ Par souci de réalisme, les acteurs ont tous du apprendre à parler avec l'accent du Texas, l'action du film se déroulant dans une banlieue de Dallas. Tous, sauf McConaughey, originaire du coin, et plus précisement du comté de Uvalde, une petite ville qui ressemble beaucoup à l'endroit où est censé se tramer l'histoire selon ses dires.

+ Friedkin a ici retrouvé quelques-uns de ses compagnons de travail, comme le monteur Darrin Navarro (déjà monteur sur L'exorciste et Bug) ou le directeur de la photographie Caleb Deschanel (Bug et Traqué). Deschanel a d'ailleurs également déjà officié pour des réalisateurs côtés comme John Cassavetes (Une femme sous influence), Hal Ashby (Bienvenue Mr. Chance) ou Mel Gibson (La Passion du Christ), et est également réalisateur pour la télévision (New York - Police judiciaire, Bones, mais surtout pour quelques épisodes de la série créée par David Lynch dans les années 90, Twin Peaks).

+ Killer Joe a couru les festivals les plus prestigieux. Il a, entre autres, été présenté en compétition officielle lors de la 68ème édition de la Mostra de Venise et lors du festival du film indépendant de Toronto 2011, et hors-compétition au festival du film américain de Deauville 2012 lors duquel William Friedkin a reçu un hommage pour l'ensemble de sa carrière.

+ Le budget du film est d'environ 10 millions de dollars, et le tournage s'est déroulé sur un mois, entre novembre et décembre 2010. Etrangement, si le scénario conte une histoire se passant à Dallas, les prises de vues ont eu lieux à... la Nouvelle-Orléans ! Ce choix a été décidé par les producteurs et le réalisateur en raison de l'ambiance particulière qui émane de la Louisiane à cette époque de l'année et qui les séduisait beaucoup.